Depois de ser exibida em São Paulo, Salvador, Curitiba e Rio de Janeiro, está em Florianópolis a exposição Um Século de Arte Brasileira - Coleção Gilberto Chateaubriand. A mostra, promovida pela Fundação Catarinense de Cultura (FCC) e pela Secretaria de Estado de Turismo, Cultura e Esporte, apresenta uma das mais importantes coleções privadas de arte do país, e está aberta no Museu de Arte de Santa Catarina (Masc). O evento de abertura, realizado no dia 9 de maio, contou com a presença de Carlos Alberto Govêa Chateuabriand, herdeiro da coleção e vice-presidente do Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio Janeiro e de Reynaldo Roels, curador do MAM/RJ.

Cerca de 170 obras que compõem a coleção proporcionam um panorama das artes plásticas no país, apresentando artistas brasileiros e seus trabalhos em quatro núcleos históricos: do Modernismo das primeiras décadas do século 20, passando pelos movimentos Construtivista e Abstracionista, até chegar ao Experimentalismo e seus desdobramentos na década de 90.

Um dos destaques da exposição é a obra Urutu, de Tarsila do Amaral. A primeira obra adquirida pelo colecionador, Paisagem de Itapuã, do artista José Pancetti, também está na mostra. Dentre os artistas catarinenses que compõem a coleção, fazem parte da exposição obras de Ivens Machado, Ana Vitória Mussi e Paulo Greuel. "Será possível fazer visitas guiadas com os profissionais do nosso Núcleo de Arte-educação", lembra a presidente da FCC, Anita Pires.

A exposição, que fica aberta até o dia 15 de junho, tem curadoria de Fernando Cocchiarale e Franz Manata. "Estamos inserindo Santa Catarina no circuito das grandes exposições nacionais", afirma o secretário de Estado de Turismo, Cultura e Esporte, Gilmar Knaesel, reforçando a importância do Funcultural, que destinou R$ 250 mil para permitir a realização da mostra.

Considerada a mais representativa coleção de obras de arte de artistas brasileiros, a Coleção Gilberto Chateaubriand possui em torno de 7.000 obras. São peças produzidas desde as primeiras décadas do século passado até a atualidade. é um dos mais completos panoramas existentes sobre a arte moderna e contemporânea brasileiras. Cedida em comodato para o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro a partir de 1993, a coleção tornou-se acessível permanentemente ao público e vem sendo mostrada regularmente não só no MAM, sob a curadoria de Reynaldo Roels, como em outras instituições do Brasil e do Exterior.

Serviço

O QUê: Exposição Um Século de Arte Brasileira - Coleção Gilberto Chateaubriand

QUANDO: Abertura sexta-feira, dia 9 de maio, às 19h30. Visitação: de 10 de maio a 15 de junho, diariamente, das 9h às 21h.

ONDE: Museu de Arte de Santa Catarina (Masc), Centro Integrado de Cultura - Av. Gov. Irineu Bornhausen, 5.600 - Agronômica - Florianópolis/SC. Informações: (48) 3953-2317 / www.fcc.sc.gov.br

QUANTO: gratuito

Visitas guiadas (agendamentos e informações): (48) 3953-2324 / Fax: (48) 3953-2316, de segunda a sexta, das 13 às 19 horas - e-mail: Este endereço de email está sendo protegido de spambots. Você precisa do JavaScript ativado para vê-lo.

Núcleos da exposição

O Modernismo e seus desdobramentos - Este segmento mostra obras das manifestações da arte brasileira comprometidas com a vontade de atualizar a produção nacional em relação ao modernismo europeu - a Semana de Arte Moderna, em 1922, por exemplo. Estão também obras que representam os desdobramentos do Modernismo - a questão nacional dos anos 20, a emergência dos regionalismos na década de 30 e o realismo social dos anos 40 - até o fim da Segunda Grande Guerra e ao longo da década de 50. Anita Malfatti, Brecheret, Cândido Portinari, Cícero Dias, Di Cavalcanti, Djanira, Flávio de Carvalho, Goeldi, Guignard, Ismael Nery, Lasar Segall, Pancetti, Tarsila do Amaral e Vicente do Rêgo Monteiro, entre outros, compõem a exposição.

Construtivismo e Abstracionismo - esta seção mostra o surgimento e a consolidação das tendências não-figurativas no Brasil entre 1948 e 1962, com obras de Abraham Palatnik, Aluísio Carvão, Antônio Bandeira, Fayga Ostrower, Hélio Oiticica, Lygia Clark, Mary Vieira, Milton Dacosta, Samson Flexor, entre outros.

A Imagem Contemporânea - este núcleo representa as produções das décadas de 60 e de 80, que têm em comum o foco figurativo. O desgaste do repertório eminentemente formal do Abstracionismo, na passagem das décadas de 50 para a de 60, determinou a retomada da imagem figurativa. Baseada agora na fotografia, na publicidade e nas artes gráficas, essa nova imagem revogou definitivamente os modelos naturais da arte do passado. Aqui aparecem obras de artistas como Anna Maiolino, Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Barrão, Beatriz Milhazes, Carlos Zilio, Cláudio Tozzi, Cristina Canale, Daniel Senise, Gerchman, Glauco Rodrigues, Leda Catunda, Luiz Zerbini, Maria do Carmo Secco, Nelson Leirner, Wanda Pimentel, Raimundo Collares e Carlos Vergara, entre outros.

O Experimentalismo e seus Desdobramentos - Parte conclusiva da exposição, este núcleo recobre o experimentalismo dos anos 70 e de sua retomada e, ainda que de modo singular, dos anos 90 até a atualidade. Parte significativa da produção artística brasileira e internacional dos 70 assimilou, de modo explícito, a palavra à obra, ou usou-a nos títulos como conceitos-chave para a leitura da obra. Da década de 90 em diante, o uso de suportes e meios não-convencionais da arte - as novas mídias, instalações e performances - é resultado de questões experimentais formuladas duas décadas antes. Destacam-se neste núcleo obras de artistas como Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Antônio Manuel, Artur Barrio, Carlos Zilio, Cildo Meireles, Edgar de Souza, Helio Oiticica, Jac Leirner, Jorge Barrão, José Damasceno, José Resende, Luiz Fonseca, Marcos Chaves, Miguel Rio Branco, Milton Machado, Rosângela Rennó, Tunga, Waltércio Caldas e Vik Muniz, entre outros.

Sobre a curadoria

Os curadores Fernando Cocchiarale e Franz Manata explicam o perfil da mostra "Coleção Gilberto Chateaubriand: um Século de Arte Brasileira" salientando que "qualquer pessoa interessada em fruir, conhecer, interpretar e difundir a arte brasileira, de seus primórdios modernistas, na alvorada do século passado, aos desdobramentos mais recentes da produção contemporânea, acaba recorrendo à coleção Gilberto Chateaubriand... A coleção Gilberto Chateaubriand é, pois, uma espécie de enorme jazida da arte brasileira cuja investigação e exploração rende, e sempre renderá, incontáveis possibilidades curatoriais. Isto não quer dizer que essas possibilidades descartem a reapresentação de algumas obras em diferentes curadorias. Sabemos que a inserção de uma mesma obra em novos conjuntos ou recortes transfigura, a partir destas novas relações, sua fruição e apreensão anteriores". Complementam Cocchiarale e Manata enfatizando que "organizamos a mostra observando, quando possível, a representatividade das obras da coleção consagradas pela história como referências icônicas de nosso imaginário. Junto a outras menos conhecidas, elas mapearão os principais desdobramentos de nossa arte desde a segunda década do século passado, até os anos 80. Já os trabalhos que selecionamos como representativos da produção contemporânea das duas últimas décadas são antes apostas do colecionador e da curadoria, uma vez que ainda não contam com a contribuição de filtros históricos suficientes para consagrar reputações artísticas e apontar, com segurança, as obras mais emblemáticas desse período. A exposição é montada, pois, a partir de núcleos históricos que respeitarão a sucessão temporal desses desdobramentos embora não de modo estritamente cronológico".

Sobre a coleção Gilberto Chateaubriand

A coleção Gilberto Chateaubriand possui em torno de 7.000 obras. São peças produzidas desde as primeiras décadas do século passado até a atualidade. é uma das coleções mais importantes do País e um dos mais completos panoramas existentes sobre a arte moderna e contemporânea brasileiras, já que Gilberto Chateaubriand optou por montar um acervo abrangente, plural e representativo da arte brasileira.

As obras que integram a Coleção Gilberto Chateaubriand pertencem a um período histórico mais extenso do que os 52 anos de existência da mesma, contados a partir de 1954, quando o pintor José Pancetti deu para Chateaubriand a tela "Paisagem de Itapoá". Segundo depoimento do próprio colecionador "a partir de então, comprar obras de arte tornou-se para mim uma segunda natureza - talvez a primeira. Sempre optei pela arte brasileira; gosto de conhecer o artista, ver seu atelier, descobrir novos talentos, ser surpreendido". Estas peculiaridades estreitaram o contato do colecionador com os artistas, e a busca por novos talentos e obras - especialmente aqueles iniciantes - fez com que a coleção tenha hoje obras que revelam a trajetória completa de muitos de nossos mais importantes nomes das artes visuais. é indiscutível a representatividade da coleção Gilberto Chateaubriand, considerada, sobretudo no meio especializado, como o melhor e mais completo panorama da arte brasileira, do modernismo aos nossos dias.

Cedida em comodato para o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro a partir de 1993, a coleção tornou-se acessível permanentemente ao público e vem sendo mostrada regularmente não só no MAM, como em outras instituições do Brasil e do Exterior.

Sobre o colecionador

Gilberto Chateaubriand nasceu em Paris em 1925. Vive no Rio de Janeiro. Hoje divide seu tempo entre o Rio de Janeiro e Porto Ferreira, onde tem sua fazenda, a Rio Corrente. Como diplomata residiu na Europa, particularmente em Paris, de 1956 a 1959. De volta ao Brasil foi um dos fundadores da Ediarte, ao lado de Carlos Scliar e José Paulo Moreira da Fonseca; através dela editou álbuns de reproduções de obras de artistas como Scliar (1962), Di Cavalcanti (1963), Pancetti (1964) e Guignard (1966), além do primeiro volume do Panorama da Pintura Moderna Brasileira (1966), de Antonio Bento. Atuou como membro do júri, entre outros, dos IV e V Salões de Verão (Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, 1972 e 1973), do I Salão Global de Inverno (Belo Horizonte, 1973), do Salão da Bahia (MAM/Bahia, desde 1994). Foi presidente da Sociedade dos Amigos do Museu Nacional de Belas Artes e membro das comissões de arte da galeria IBEU do Rio de Janeiro e da Galerie de la Maison de France, na mesma cidade. Participa dos conselhos das seguintes instituições: Fundação Castro Maya (Rio de Janeiro), Fundação Bienal de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Museu de Arte Moderna de Nova York - MoMA, Fondation Cartier pour L"Art Contemporain (Paris, França) e é Presidente do Conselho Deliberativo do MAM/Rio. Foi co-editor dos livros Arte Brasileira Contemporânea - Coleção Gilberto Chateaubriand (1976) e América Latina: Geometria Sensível (1978) de Roberto Pontual. Com sua própria editora (GBM), publicou, em 1979, o livro Waltércio Caldas Jr. - "Aparelhos", de Ronaldo Brito, e um álbum de litografias de ângelo de Aquino, com texto de José Carlos de Oliveira. Em 1978 produziu o filme de Luiz Alphonsus de Guimaraens sobre o pintor Nilton Bravo.

Sobre os curadores

Fernando Cocchiarale é crítico de arte, curador e professor de filosofia da arte do Departamento de Filosofia da PUC-RJ (desde 1978) e do curso de especialização em história da arte e arquitetura do Brasil, da mesma universidade entre 1983 e 2005. é também professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Autor, com Anna Bella Geiger, do livro Abstracionismo Geométrico e Informal (Funarte) e de centenas de artigos, textos e resenhas publicados em livros, catálogos, jornais e revistas de arte do Brasil e do exterior. Foi curador-coordenador do programa Rumos Itaú Cultural Artes Visuais nas edições 1999 / 2000 e 2001 / 2002 e coordenador de artes visuais da Funarte, entre 1991 e 1999; membro de júris e comissões de seleção de mais de 20 mostras e salões tais como o 10o, o 15o e o 16º Salões Nacionais de Artes Plásticas, Rio de Janeiro (em 1987, 1995 e 1998, respectivamente); e curador independente, entre outras, de exposições tais como O Moderno e o Contemporâneo, Coleção Gilberto Chateaubriand, MAM-RJ, 1981 (com Wilson Coutinho); Rio de Janeiro 1959 / 1960, Experiência Neoconcreta, MAM, RJ, 1991; O Corpo na Arte Contemporânea Brasileira, Itaú Cultural, SP, 2005 (com Viviane Matesco); é Hoje na Arte Contemporânea Brasileira, Santander Cultural, RS, 2006 (com Franz Manata). Em novembro de 2000 assumiu a curadoria do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.

Franz Manata é artista, curador, professor e produtor. Graduado em economia pela PUC-MG. Mestre em Linguagens Visuais pela Escola de Belas Artes/Universidade Federal do Rio de Janeiro 2002. Desde 2001 trabalha no MAM/RJ como Curador Assistente e Coordenador de Produção. Em 1997, foi premiado no First International Instalation Art Award, de Nova Iorque. Em 2004, realizou a primeira Cronologia da Arte Brasileira do Século XX e pela Rede Nacional de Artes Visuais ministrou cursos, produzidos pela FUNARTE. Desde 2004 ministra o curso Arte como artifício na EAV-Parque Lage, RJ. Em 2006, assinou a curadoria da mostra é Hoje na Arte Contemporânea Brasileira no Santander Cultural, RS, com Fernando Cocchiarale.

Veja as sugestões para as diretrizes no link "Downloads".

A abertura do Seminário do Plano Nacional de Cultura, na manhã de terça-feira, dia 16 de setembro, contou com participantes do Ministério da Cultura, Minc, Fred Maia, gerente de articulação nacional da Secretaria de Articulação Institucional, Fábio Kobol, gestor da Secretaria de Políticas Culturais e representante da coordenação do PNC, e Rozane Dalsasso, representante da Regional Sul do Minc. Do âmbito local, participaram Anita Pires, presidente da Fundação Catarinense de Cultura (FCC), Gilmar Knaesel, secretário de turismo, cultura e esporte, e o deputado João Matos, presidente da Comissão de Educação e Cultura da Assembléia Legislativa. Apoiado pela FCC, o evento continua amanhã, sempre no Hotel Castelmar, no centro de Florianópolis.

No discurso da abertura, a presidente da FCC, Anita Pires, ressaltou a grande mobilização da classe artística catarinense. Em poucos dias, frisou, foram recebidas 235 inscrições - mais que a média, 200, dos demais seminários realizados em outros estados. O mais interessante foi a descentralização: os 235 participantes vieram de todas as regiões de Santa Catarina, ou seja, nenhuma região ficou sem mandar ao menos um representante.

Fred Maia, gerente de articulação nacional da Secretaria de Articulação Institucional, destacou o caráter pioneiro do estado. Para ele, com o lançamento do prêmio Elisabete Anderle pelo governo, Santa Catarina está entrando na vanguarda cultural brasileira, posicionando-se muito além da grande maioria dos outros estados do país. O prêmio Elisabete Anderle de Estímulo à Cultura está sendo criado com o objetivo de estimular a produção, circulação, pesquisa, formação, preservação e difusão cultural, de forma a contribuir para o desenvolvimento de atividades das Artes Populares, Artes Visuais, Letras, Música, Dança, Patrimônio Cultura e Teatro. O edital contempla um investimento de R$ 6.800.000,00 para o setor cultural no Estado de Santa Catarina.

Enquanto Fred Maia louvou o prêmio Elisabete Anderle, Rozane Dalsasso, representante da Regional Sul do Minc, destacou a vanguarda local no fechamento da parceria com os programas Mais Cultura e Pontos de Cultura. O "Seminário do Plano Nacional de Cultura - Santa Catarina" tem como objetivo debater o primeiro planejamento cultural a longo prazo do país, e está sendo realizado pela Câmara dos Deputados e pelo Ministério da Cultura, com apoio da FCC.

O seminário faz parte da etapa conclusiva de discussões para a elaboração do primeiro planejamento de longo prazo na história do Brasil. A idéia é posicionar a sociedade no centro do debate, dando voz à comunidade sobre futuros parâmetros orientadores das políticas culturais dos próximos dez anos. O objetivo do diálogo é o aperfeiçoamento do projeto de lei do Plano, que será votado pelo Congresso Nacional.

O Plano contribuirá para a concretização do Sistema Nacional de Cultura, com a integração de fóruns, conselhos e outras instâncias de participação federais, estaduais e municipais. Em 2003 teve início a elaboração do Plano Nacional de Cultura, que após várias etapas resultou na elaboração de cinco eixos estratégicos: 1. Fortalecer a ação do Estado no planejamento e execução das políticas culturais; 2. Proteger e valorizar a diversidade artística e cultural brasileira; 3. Universalizar o acesso dos brasileiros à fruição e produção cultural; 4. Ampliar a participação da cultura no desenvolvimento socioeconômico sustentável; 5. Consolidar os sistemas de participação social na gestão das políticas culturais.

A segunda edição de um dos maiores eventos de música de Santa Catarina terminou na sexta-feira, dia 25 de abril, com um grande sucesso de público, que lotou o Centro Integrado de Cultura (CIC), em Florianópolis. Os finalistas do Festival da Música e da Integração Catarinense (Femic) tocaram suas criações e foram premiados, em um evento que contou ainda com show de Sandra de Sá e Jorge Aragão, ao lado de Luiz Meira.

Na final, estava em jogo a premiação de R$ 30 mil (1º lugar - R$ 15 mil; 2º lugar - R$ 7 mil; 3º lugar - R$ 3 mil; melhor intérprete - R$ 1,25 mil; melhor instrumentista - R$ 1,25 mil; melhor arranjo - R$ 1,25 mil; aclamação popular - R$ 1,25 mil).

Do samba ao rock, a etapa privilegiou o ecletismo dos participantes sem distinção ou preferências por estilo. Os vencedores foram: 1º lugar - "Travesseiro de Estrelas", de Ryana Gabech; 2º lugar - "Tributo a Tião Carreiro", de José Martins e Lino Silva; 3º lugar - "Jardim das Delícias", de Gustavo Barreto. Foram entregues troféus especiais aos destaques da noite, como melhor aclamação popular para Anjo Gabriel, de Jeisson Dias; melhor intérprete para Jean Mafra; melhor arranjo para No Florir das Açucenas, do Grupo Nativista Coração de Potro; melhor instrumentista para Jorge Nando, por Catando Estrelas.

Para o diretor artístico do Femic, Luiz Meira, as composições inscritas tinham qualidade técnica e artística. "O Festival tem um papel determinante na divulgação da diversidade musical do Estado, revelando os novos talentos e as linguagens que inovam e formam a produção catarinense".

Promovido pela LGP Produções Artísticas por meio do Funcultural, o Femic surgiu com o objetivo de incentivar os novos talentos musicais do Estado, e neste ano recebeu 2,7 mil inscrições. Foram realizadas 36 etapas seletivas em regionais e mais nove etapas semifinais nas principais cidades do Estado. Segundo o secretário de Estado do Turismo, Cultura e Esporte, Gilmar Knaesel, o grande número de inscrições denota a ânsia dos artistas por um festival democrático. "O Festival consolidou-se como uma vitrine para os artistas. Santa Catarina passa a imprimir uma identidade musical no País. O Estado possui uma diversidade cultural enorme que precisa de espaço para crescer", declara Knaesel.

Saiba mais:

Sandra de Sá - Artista de timbre vocal versátil, Sandra Cristina Frederico de Sá iniciou a carreira musical nos festivais de músicas estudantis. Alguns críticos dizem que o talento para a música veio de berço, por meio da família, que se apresentava em bailes de carnaval nos clubes da cidade do Rio de Janeiro. Em 1977, quando começou a estudar psicologia, Sandra ingressou na primeira gravadora, realizando shows em muitos locais do interior do País. O Brasil foi apresentado à artista nos anos 80, quando no festival MPB 80, da TV Globo, classificou "Demônio Colorido" entre as 10 finalistas e a música obteve repercussão nacional. "Antigamente tinham festivais em todas as cidades e as finais eram realizadas no Maracanãzinho e surgiam artistas de todos os cantos. O Brasil é o país mais musical do mundo, com os melhores músicos, compositores e cantores. E toda essa gente precisa ter espaço para mostrar esse talento", comenta a artista.

Jorge Aragão - O sambista iniciou a carreira na década de 70, em bailes e casas noturnas. Como compositor, despontou em 1977, quando Elza Soares gravou a composição "Malandro". Jorge Aragão participou do grupo Fundo de Quintal, como um dos principais compositores e letristas do grupo, tendo por isso abandonado o conjunto para dedicar-se à carreira solo. Quase todos os grandes intérpretes de samba (Beth Carvalho, Alcione, Zeca Pagodinho, Martinho da Vila) têm canções de Jorge Aragão em seu repertório. Com quase 30 anos dedicados à MPB, o artista continua em atividade. "é importante para o Brasil resgatar eventos como os festivais de música que revelaram tantos talentos pelo País. Essa renovação estimula os artistas, fortalecendo o mostrando a diversidade musical brasileira", afirma o sambista.


Confira os vencedores do Femic

1º lugar - Travesseiro de Estrelas
Ryana Gabech
Grande Florianópolis

2º lugar - Tributo a Tião Carreiro
José Martins e Lino da Silva
Criciúma

3º lugar - Jardim das Delícias
Gustavo Barreto
Grande Florianópolis

Aclamação popular - Anjo Gabriel
Jeisson Dias
Grande Florianópolis

Melhor intérprete - Jean Mafra (Samambaia Sound Club)
Não
Grande Florianópolis

Melhor Instrumentista - Jorge Nando
Catando Estrelas
Criciúma

Melhor arranjo - Grupo Coração de Potro
No Florir das Açucenas
Lages

Cristovão Tezza achou que ia ser massacrado pela crítica quando resolveu escrever "O Filho Eterno" (ed. Record).
"Problema pessoal não é problema literário. O tema tem uma pedra no meio do caminho", pensou. A dúvida tinha a ver com a arriscada opção de relatar sua experiência com o filho, que tem síndrome de Down. O cuidado foi excessivo.
Com o romance, o escritor radicado em Curitiba tornou-se a sensação literária de 2008.
é de dar inveja a qualquer autor nacional. Na última quinta, Tezza recebeu o Prêmio Portugal Telecom. Na sexta, foi o Jabuti de melhor romance -e, por pouco, não leva também o Jabuti de livro do ano, que afinal foi para Ignácio de Loyola Brandão. Cristovão já havia faturado os prêmios da Associação de Críticos de Arte de São Paulo e da revista "Bravo!".
Pode não ser tudo. No final de novembro, ainda é forte concorrente para o Prêmio São Paulo de Literatura.
Tezza vai se tornando, assim, uma unanimidade. Trata-se de um fenômeno semelhante àquele que ocorreu com Milton Hatoum, em 2006. Na época, formou-se a convicção de que estava surgindo um novo fenômeno: a consagração dos escritores-acadêmicos. No caso do catarinense, é uma verdade apenas parcial.

Professor tardio
Nascido em Lages (Santa Catarina), há 56 anos, Tezza resistiu a entrar na universidade, o que só fez aos 25 anos. é um "professor tardio", como se define. Sempre desejou ser escritor e precisou insistir. A consagração chegou em sua 14ª obra de ficção. "O Filho Eterno" já foi lançado na Itália e em breve ganha edições em Portugal, na França e na Espanha.
A força do livro está em traduzir friamente, sem concessões, o choque e a revolta de um jovem transgressor, um "filhote retardatário dos anos 70 e dinossauro medieval", ao descobrir a condição excepcional do filho recém-nascido.
O romance amadureceu ao longo de dez anos. "é um exercício da crueldade. Esse é o principal atributo do narrador. Ele não pode ter piedade de nada e de ninguém", diz Tezza.
Literariamente, o livro dialoga com duas grandes obras que abordam o mesmo tema.
A primeira é "Uma Questão Pessoal" (Companhia das Letras), do Prêmio Nobel japonês Kenzaburo Oe. "Além de tudo, Oe também expressa aquela coisa dos anos 60, de rebeldia", diz Tezza.
Outra influência assumida é "Nascer Duas Vezes" (Companhia das Letras), do italiano Giuseppe Pontiggia. "São depoimentos pessoais, é um diário do escritor com o filho."
A verdadeira resposta para o livro, no entanto, veio do Prêmio Nobel sul-africano J.M. Coetzee, autor de "Juventude" (Companhia das Letras).
"Esse é um dos livros mais cruéis que já li sobre a adolescência. Mostra o processo do narrador sair da confissão e se transformar em objeto. é o que o autor precisa fazer. Aquilo me deu a chave, foi quando me livrei da primeira pessoa."
A partir daí, com a moldura ficcional estabelecida, a escrita fluiu. "Quando comecei a escrever, todos os problemas pessoais e emocionais já estavam resolvidos. A questão era como transformar isso em literatura", diz o escritor.
"O Filho Eterno" coroa uma carreira bem-sucedida que está longe de ser banal: "Eu tinha tanto problema com a academia, quando jovem. Não quis fazer vestibular. Achei que universidade ia acabar comigo como escritor. Bem de acordo com a cabeça dos anos 70. Fui meio bicho-grilo, um hippie "à brasileira". Queria ser artista, transgressor", afirma.
Nos anos 60, Tezza participou de uma comunidade de teatro, liderada por Wilson Rio Apa, um guru que "tinha uma visão rousseauniana do mundo e era um ecologista "avant la lettre´". Seguindo os passos do mestre, quis realizar uma aventura literária que foi a inspiração de grandes autores, como Melville: tornar-se um marinheiro. "Era o máximo do romantismo. Achava que os projetos intelectuais tinham de ser também projetos existenciais, uma idéia bem anos 60."
Assim, em pleno regime militar, em 1971, Tezza rumou para o Rio de Janeiro e se inscreveu no curso para marinheiro. "Fiquei seis meses estudando, enquanto lia "Cem Anos de Solidão". Mas nunca pisei em um navio." Em seguida fez curso de correspondência para relojoeiro. Praticou o ofício, mas acabou abandonando.
Foi com esse background que o escritor passou a se dedicar à literatura -lançado por pequenas editoras- e à bem-sucedida carreira acadêmica.
Hoje, é autor de uma respeitada tese, já publicada: "Entre a Prosa e a Poesia - Bakhtin e o Formalismo Russo" (Rocco).
Com a universidade, fez a "descoberta do discurso da ciência". E, na literatura, ainda que tenha começado com poesia e seja um autor versátil, se declara "fundamentalmente um romancista".
De acordo com Tezza, "mostramos dificuldade com a cultura romanesca. A península Ibérica tem uma tradição de poetização do discurso romanesco, bem diferente da tradição inglesa ou americana. O brasileiro tem uma certa vergonha de ser narrador, ele precisa ser um poeta. Guimarães Rosa é um poeta da prosa. Machado de Assis está do lado oposto".
Tezza acha natural que os críticos atualmente se dediquem à produção literária. "Antigamente, havia a crítica acadêmica e os escritores, como Jorge Amado, Carlos Heitor Cony ou Antonio Callado. Eram duas áreas bem distintas" diz. "A partir dos anos 70, passou a haver uma fusão, um tipo de elaboração acadêmica sobre a literatura, e hoje eles estão muito próximos. A universidade dá condições de sobrevivência."

Foco em Curitiba
Com o sucesso do autor, a capital paranaense passa a ter duas estrelas literárias. "Curitiba é um exílio. A literatura pula de São Paulo para Porto Alegre. A solidão do Dalton [Trevisan], aquela coisa meio caipira, é um retrato da cidade. Ela é magnífica para escrever, te dá distância. Mas você pena enquanto não entra no eixo Rio de Janeiro-São Paulo."
Agora, aproveita o embalo com os prêmios para rascunhar a carta de demissão.
Se possível, deseja se dedicar apenas à literatura. "Quero me dedicar mais à felicidade, à leitura. O escritor precisa de ócio", conclui.
Pode até ser possível. Com o Portugal Telecom, recebeu R$ 100 mil. Se tirar a sorte grande com o Prêmio São Paulo, da Secretaria de Estado da Cultura, pode até sonhar com mais R$ 200 mil.

O artista plástico paranaense Luciano Boletti abriu em 14 de fevereiro de 2008 uma exposição de desenhos no Museu de Arte de Santa Catarina. Promovida pela Fundação Catarinense de Cultura (FCC), a mostra reúne trabalhos sobre tela e papel, abrangendo uma década de produção, entre 1998 e 2008.

"Todos esses trabalhos têm o corpo humano, enquanto estrutura, como fonte de inspiração", afirma Boletti, que chegou a ficar três anos sem produzir nada após a morte da mãe, em 2003, vítima de câncer. "As pinturas que fiz em 2008 são bem mais agressivas, viscerais", avalia o artista, que identifica em seus trabalhos ossos, órgãos, vísceras, dentes, bocas, e até as interferências, como próteses e parafusos. "Tudo isso tem um lado muito pessoal. Usei colete, já passei por cirurgia e hoje tenho uma prótese enorme nas costas", revela.

Aos 35 anos de idade, Luciano Boletti pertence à geração mais recente das artes plásticas brasileiras. Formado artes plásticas na Universidade Estadual de Londrina, foi testado em salões e já passou por júris exigentes para expor em galerias de prestígio, entre os quais é possível destacar o nome de Lygia Canongia.

Curador da exposição e admistrador do Masc, João Evangelista de Andrade Filho afirma que "ao recolher sintagmas da visualidade contemporânea, Luciano experimenta seu texto em desenhos/pinturas, reorganizando-os dentro de um padrão ritmado em que traço-gesto expõe a cursividade da experiência vital e, ao mesmo tempo, a necessidade de que sobre ela venham a agir os nós que seguram a imponderabilidade do espontâneo. Neste sentido entenda-se o que dele disse um crítico de Belo Horizonte, que o qualifica como um criador que "busca a limpeza do artefato artístico". Ele busca uma conexão tão transfigurada quanto íntima que, visando o corpo, leva a experiência para a fronteira do simbólico".

O QUê: Exposição "Luciano Boletti - desenhos".

QUANDO: Visitação até 2 de março, de terça a domingo, das 13h às 21h.

ONDE: Fundação Catarinense de Cultura / Museu de Arte de Santa Catarina (Masc), Avenida Gov. Irineu Bornhausen, 5.600, Agronômica, Florianópolis, fone: (48) 3953-2323.

QUANTO: gratuito.